Jorge Tirner: “El arte es el puntapié de lo que somos como seres humanos”

 

Días atrás se inauguró la Galería de Arte Yuyal en la ciudad de Resistencia. En este espacio conviven artistas emergentes, de mediana carrera y consagrados. En esta charla hablamos con su creador, Jorge Tirner, sobre arte, mercado y su visión de cómo construyen los artistas.

 

Por Paulo Ferreyra

 

Con la muestra Ya está ya se dio el inicio y así abrió las puertas la galería. Esta galería de arte Yutal buscará la promoción y la preservación de producciones artísticas.

 

Artistas que están participando de la muestra

 

Melissa Scolari de Resistencia pero desde Nantes, con pintura y dibujo. El Macumbiero, con cerámica. Agustina Piasentini de Goya, con bordado y pintura. Haylly Zamora Aray de Puerto Ayacucho pero desde Puerto Tirol, con pintura. Candela Pietropaolo, de Reconquista, con pintura. María Laura Ise, de Resistencia pero desde Ushuaia, con bordado. Malcon D"Stefano, de Santa Fe pero desde Buenos Aires, con dibujo. Andrés Bancalari, de Resistencia, también con dibujo. También participa el artista invitado Gustavo Mendoza, desde Corrientes con esculturas.

 

 

"El arte se construye desde el contexto propio"

 

— Jorge, ¿Cómo surgió la iniciativa de esta galería de arte?

 

— Yuyal es un proyecto en el cual vengo trabajando hace varios años. Empezó de una manera y terminó de otra manera totalmente diferente. Este año en marzo o abril retomé el proyecto con la energía de llevarlo a cabo. Ahí surgió el nombre y vino a mí el Yuyo. El yuyo es tanto una mala hierba como una hierba medicinal. Te cura pero también te puede invadir o hacer algo negativo, hasta tóxico puede ser. Me gusta esta dualidad de las dos cosas.

 

 

 

En el medio me fui a una feria de arte en Corrientes. En ese contexto vi que la mayoría de las galerías tienen nombre en singular. Entonces me pregunté por qué tienen nombre en singular si esto es un proyecto colectivo. Aquí participan mucha gente, hay otros artistas, está el público, están los medios, esto es como un globo gigante y forma parte de la ciudad donde está por funcionar. Así se me ocurrió Yuyal y se trata de muchos yuyos. Además lo veo más allá del objeto vegetal, de la planta, sino que lo veo como el yuyal urbano, esta cosa ordenada y desordenada que nos rodea en la vida.

 

 

 

La marca la desarrollé pensando en una tipografía que representa una ventana, más bien cuadrada, con pocas líneas. Lo que está adentro es lo importante. Es una ventana que se abre para que todos puedan observar qué tenemos de este lado.

 

— ¿Cuál fue el criterio para seleccionar a estos artistas?

 

— Hace más de veinte años que trabajo en este campo, como artista y como gestor cultural.  Siempre aposté a que nosotros podemos producir cosas desde nuestros contextos. El arte se construye desde el contexto propio. Este contexto produce una realidad y esa realidad es plasmada en un objeto - en una pieza artística. La apuesta siempre es a lo nuestro, construir nuestro propio centro y ese centro se construye a partir de tu propio contexto.

 

— ¿Hay mercado para el arte local? ¿Hay que construir ese mercado?

 

— Todo se construye y todo tiene la posibilidad de construirse. Esa es mi teoría. La cuestión es llevarla a cabo y ver qué sucede. En mi forma de ver - vengo de gestión y de políticas culturales - nunca estuve en la comercialización.

 

En este caso donde vamos a comercializar arte lo voy apuntar mucho desde lo poético. Se puede construir un mercado de la región. Hay un mercado incipiente y mucho potencial. El hecho de comprar es interesante y lo veo desde el bienestar de las personas, que eligen una obra porque la quiere tener o la quiere poseer. Desde el lugar comercial - desde la monetización de la obra - es una inversión importante. La intención de la galería es potenciar a sus artistas. Vamos a trabajar para que los artistas crezcan y con ello el valor de sus obras.

 

— ¿Por qué deberíamos acercarnos al arte?

 

— El arte es el puntapié de lo que somos como seres humanos. Ahí empieza todo. El arte es el pensamiento a lo desconocido, a probar, a romper paradigmas y los paradigmas nos sirven para poder crecer. Además, crecer es algo que hacemos de forma colectiva. El arte es el primer paso. Desde el cavernícola que pintó como cazaba el bisonte o mamut. A partir de esas obras hasta la actualidad se creó un pensamiento abstracto, creativo y potenciamos el pensamiento creativo. El arte es vida y es mi vida.

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Gisela Gasparri: “Hacer acrobacias aéreas es un desafío físico y psíquico”

Gisela Gasparri 

El próximo domingo 22 de diciembre se realizará el show de gala Dream Escape. Los profesores Miguel Ramírez de Wonder Lang, escuela de acrobacia aérea y Gisela Gasparri, de 8 Tiempo Danza, mostrarán junto a sus alumnos y alumnas lo que trabajaron durante el año. La cita será en Equilibrio Gym, Juan Ramón Vidal 1735 a las 19.30, Corrientes.

 

Por Paulo Ferreyra 

La poeta Raquel Beck escribió alguna vez / Dejarse caer / conscientemente, / esparcir pedazos sin miedo. / Todo esto traje, / todo esto dejé ir. / Todo esto ahora te pertenece: / te lo regalé. La idea de romper el miedo o convivir con él para lanzarse a la vida con todo el cuerpo es lo que se vive en esta experiencia que proponen los profesores Miguel y Gisela.

 

Se viene Dream Escape

 

Hace un año atrás trabajaron juntos y armaron la muestra Alicia en el país de las maravillas. Este año la propuesta sigue una misma línea – contar una historia a través de la danza y de las acrobacias aéreas. Ahora la propuesta es Dream Escape.

 

Con más de veinte artistas en escena se proponen narrar una historia. La narración comenzará con un niño que se acuesta a dormir. El sueño al comienzo lo lleva por paisajes bellos. Pero hay una irrupción donde el idilio se volverá oscuro y el sueño se convertirá en pesadilla. En ese trance es donde este niño quiere comenzar a escapar, de ahí el título de la muestra Dream Escape. Ahora bien, ¿podrá con la ayuda de los personajes de sus sueños salir de la pesadilla? Entre danza aérea y ballet la historia se tejerá de movimientos y música.

 

“La intención es mostrar lo que hicimos y lo que estuvimos trabajando durante todo el año”, describió Gisela. “Siempre esta es la parte más divertida, donde en mi caso las niñas se comprometen un montón con su personajes y se vuelve muy llevadero los ensayos. El montaje y el trabajo que estamos haciendo hasta el día de la muestra nos colman de adrenalina, anhelo y fantasía”. En esta oportunidad serán quince alumnas de la escuela 8 tiempos danza, quienes hacen diferentes personajes y entran en escenas con distintos trajes, lo cual significa todo un desafío a la hora de cambiarse y calzarse un traje distinto.

 

Por su parte, el profesor Miguel Ramírez agrega que el título de la muestra vino antes que la trama. "Sucede que cuando tenemos pesadillas queremos despertarnos o nos aferramos a la idea de que podemos salir de ese lugar donde estamos. En la gala pasará esto, un chico se acuesta a dormir y tiene sueños. Sus sueños tienen cosas buenas pero también sus costados malos, por ejemplo, está el unicornio y está el caballo malo", así adelanta parte de la trama que podrá apreciarse el próximo domingo 22 de diciembre a las 19.30.

Miguel Ramírez 

 

Miquel, como profesor de acrobacias aéreas agregó que el criterio para escoger qué figura harán sus alumnos se relaciona con sus capacidades. Cada alumno y cada alumna son diferentes.  "Me ocupo de ver sus fortalezas y hacer foco en ese lugar. Desde ese lugar imagino que cada uno y cada una quiere lucir lo que mejor le sale", describió.  Tuvo en algún momento una alumna que no quería hacer nuevas figuras. Se aferraba hacer las que ya sabía y le salían bien. Ahí él intervino porque explica que en todo crecimiento hay cosas que no salen bien o que cuestan hacer, crecer implica enfrentar desafíos. Además Miguel agrega que en las clases observa quien tiene fuerza, flexibilidad, coordinación y memoria, quien tiene oído musical porque eso también es importante a la hora de armar una coreografía. "Me fijo en las fortaleza de cada uno y busco llevar eso al máximo", subrayó.

 

“Hay una magia rara cuando estas arriba haciendo lo que queras con la tela, en el trap, en el aro o como ahora en el candelabro. Hacer estas cosas es lo más parecido a volar. Nosotros lo podemos hacer, nosotros estamos en el aire haciendo cosas lindas y es algo hermoso”, afirmó Miguel y su voz llega pletórica de sueños, alegría, ansiedad también.

 

La emoción entra en juego

 

Gisela Gasparri hace más de veinte años que hace danza. Bailó casi todos los estilos, sonríe cuando lo cuenta porque está tentada de decir “todos los estilos”. Pero luego vuelve sobre sus palabras y cuenta que aun le faltan algunos, “tengo tiempo para incursionar en esos estilos que me falta”, aclara y por un instante sus ojos se vuelven de arroz y la mueca de sus labios revela felicidad.

 

A las acrobacias aéreas cuenta que llegó ya de grande, hace más o menos cuatro años. Si bien se interrumpió por diferentes motivos, entre ellos por la pandemia, recién en los dos últimos años lo está haciendo de manera sostenida.

 

“Hacer acrobacias aéreas es un desafío físico y psíquico. Me gusta mucho hacerlo. Aquí lo emocional entra en juego porque al ser algo tan complejo esta disciplina requiere de mucha destreza. Siempre aparecen las dificultades a nivel emocional, cuando pensás que no llegas o que es difícil hacer determinada figura sobre la tela. Esta disciplina te fortalece en todos los sentidos”, afirma y tras la charla sube a la tela, es una gacela abriendo sus brazos, sus piernas y su cuerpo se entrelaza en las alturas. La muestra que están tejiendo con Miguel también es una invitación a romper un nido y echar a volar la imaginación.

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“Cesar Andino: “La música es mi trabajo, mi pasión, mi vida”

 

Hace unos días atrás se presentó Cabezones en la ciudad de Corrientes. En la previa tocó la banda local Pyrablut. A Cesar Augusto Andino, alma y fundador de Cabezones se lo vio muy activo en todo momento, compartiendo y dialogando con el público. Después del show pudimos intercambiar algunas palabras y reflexiones sobre su entrega total en cada momento del show.

 

Por Paulo Ferreyra

Foto gentileza La Cueva del Rock

 

La noche madura rápido en el Patio del Espacio Mariño. Invito a soñar con sus propuestas artistas – diferentes y diversas – en cada jornada que abre sus puertas. El sábado último el público llegaba ávido ente la presentación de la banda nacional Cabezones.  En la puerta había ya dispuestas remeras, stickers, posters, entre otras cosas de la banda.

 

Cerca de las 23 la ansiedad comenzaba a crecer. De repente se escucharon uno acordes y el propio Cesar salió a invitar al público para que pase a la sala. El show iba a comenzar. Después del tercer tema ya todos estábamos de pie, cantando, celebrando y entonando algunas letras.

 

Después de los primeros saludos y agradecimientos, Cesar en varias oportunidades agradeció al público que pagó su entrada para un espectáculo de música. Además agradeció a José del Espacio Mariño, “este lugar está cada vez más lindo. Estamos muy contentos de estar acá y poder tocar en este espacio”, lanzó y los aplausos regaron el ambiente. Hubo un momento donde hicieron dos covers, de Catupecu y de Charly, “aguante charly” gritó el público ante esos pequeños destellos de canciones de otros que interpretó la banda. 

 

Casi como un flash de repente Cesar anunciaba que cerraban la noche. Tenemos que ser respetuosos del horario, lanzó y los acordes de Irte estallaron en la sala. Mientras se escuchaban los acordes el músico bajó del escenario, bastón en mano y a paso lento, se acercó a casi todo el público para saludarlos y agradecer su presencia. Se lo veía conectado, sus gestos lentos no ocultaban el cansancio pero sus movimientos seguían ahí, caminando por la sala y regalando una sonrisa.

 

Cuando terminó el show aceptó conversar con todos. Se encargó de vender las remeras y los posters. Filmó autógrafo. Se sacó cada foto que le pidieron, se abrazó o simplemente puso el cuerpo con cada uno y con cada una que se acercó. Después se reunió con alguien para cerrar los números del show. Hizo de todo o hizo todo al mismo tiempo. Ya cuando se estaba acercando a la puerta de salida, me mira con el resto de simpatía que aún guardaba y me recibió, nos sentamos dos minutos para charlar, no era el momento para una entrevista de largo aliento.

 

 

— Estuviste al comienzo del show invitando a la gente para que entre a la sala, conectados con ellos durante el concierto y después firmaste cada autógrafo que te pidieron. Siempre es así, ¿entregar el cuerpo entero?

 

— Pienso que es así y lo vivo de esta manera. Para las personas que un día amanecimos con la idea de que nuestra vida iba a ser de una manera pero un accidente te atraviesa la vida, ahí te das cuenta que te pueda pasar cualquier cosa en cualquier momento. A partir de ahí me he planteado hacer lo que hago al cien por ciento, porque puede pasarme lo mismo todos los días. Así vivo y así lo hago. Pero lo disfruto mucho. Agradezco mucho poder vivir de lo que hago en un país como este. Es muy difícil vivir del arte en Argentina. Entonces estoy muy agradecido al público que paga su entrada y eso es algo muy especial.

 

— Hiciste un recorrido por distintos discos, ¿fue tú manera de conectar con lo que el público vino a buscar?

 

— Si, lamentablemente nos quedamos sin tiempo y quedaron muchos temas afuera. Es bueno tocar con bandas amigas porque te resuelven muchas cosas. Además porque es bueno que la gente conozco lo que pasa en el ámbito local. La idea también es compartir. Pero a veces pasan estas cosas que después te quedas sin tiempo. Sobre el final empezamos a tocar pedacitos de canciones y cosas que nos gustan a nosotros. La pasamos muy bien. Disfrutamos mucho este show.

 

— Acá en el repertorio de Cabezones hay un cuidado con las letras de las canciones. También de la música y el sonido que producen, ¿a vos qué te interesa más o dónde pones más atención?

 

— En una banda las dos cosas son importantes. No se puede disgregar una cosa de otra. Es un todo, ¿qué es más importante?, el corazón o la mente, es un todo. Por ahí va la importancia de las letras y la música. La palabra acompaña la canción y la música acompaña a las palabras. Es una conjunción, es como si fuera una película - o tu vida - se va edificando con todo.

 

Juego de canciones

 

Al cerrar la charla con César hicimos un picado sobre canciones, sobre dos le pregunté puntualmente y la tercera la dejé para él -

 

Irte - Es una despedida, una despedida a una persona que vos pensaste que te iba acompañar toda la vida y por esas cosas que tiene el transitar - el latir - las cosas van cambiando de semblante. Eso es la canción irte. Irte es una despedida, a veces te enojas, a veces perdonas, a veces querés que vuelva, es una historia resumida en una canción - fue mucho más que eso - pero es una despedida.

 

Mi pequeña infinidad - Esta canción es una celebración al nacimiento de mi hija. Ella me llenó de amor y de vida. Mi pequeña infinidad es existir y tratar de ser feliz con quien estás construyendo todo el tiempo una vida. Que la gente la haya hecho suya es fantástico. Nunca pensé que iba a tener ese halago de que la gente me acompañe en las canciones.

 

Todas las canciones son importantes. Hoy se acercó un chico y me agradeció porque estuve presente en un momento muy difícil de su vida. El otro me dijo gracias porque me acompañaste en un momento. De eso se trata las canciones. A mí me pasa. Cuando en algunos momentos estás solo, los caminos parece que se cierran y ahí aparece una melodía que te acompaña. entonces pensas que este tipo escribió lo que me está pasando a mí. Viste que hoy en el concierto cuando presenté la canción Sueles dejarme solo la escribí yo, era todo lo que me pasaba a mí. Es como si lo hubiera escrito yo, no tuve esa suerte pero me siento identificado con todas las canciones que cantamos.

 

 

Música

 

 

— ¿Que es la música para vos?

 

La música es mi trabajo, mi pasión, mi vida y lo que sé hacer. Es como cuando en el medioevo estaba el herrero, el soldado, el que criaba gallinas, en ese espectro yo sería el creador de canciones, con eso me conformo.

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Sonia Bertotti: “El cine le da visibilidad a la comunidad”

Esta tarde a las 19.30 se proyecta Al Impenetrable de la directora chaqueña Bertotti. Aquí comentó parte de lo que significó hacer este film. “Para mí las películas de terror – thriller se pueden usar para contar o hacer una denuncia. Es un género que me gusta y que lo vengo explorando hace tiempo”, comentó Bertotti.

 

 Por Paulo Ferreyra

 

Al Impenetrable es una película que mezcla los géneros de terror, thriller y supervivencia. Está inspirada en varias de las películas que veía la directora cuando era chica, cuando aún era adolescente y viví en la provincia. Luego se fue a Buenos Aires y sus conocimientos se expandieron. Sin embargo, el género del terror – thriller siguen estando presentes.

 

El género de terror tiene su potencia. Es una potencia que trasciende a los que solo consumen este tipo de películas. “Hay muchas películas que utilizan el género para contar otra cosa que va más allá de asustar o solo generar miedo en el espectador. Esas son las películas que me interesan ver y esa es la película que quise hacer con Al Impenetrable”, describió Bertotti.

 

La contracara, si es que hay una contracara, es que hacer este tipo de films es más costoso. Pero ya hoy en día hacer solamente cine requiere de muchos costos más allá del género. Bertotti explicó que este tipo de cine de terror requiere más efectos visuales, sonoros, filmar de noche, entre otros aspectos que elevan los costos. “Aun así ante este panorama las películas Argentinas y latinoamericanas se hacen con muy poco presupuesto. Esto es interesante porque hay muy buen cine de terror latinoamericano que se destacan en los festivales más importantes del mundo”, subrayó.

 

 

— ¿Cuál fue el germen disparador para hacer esta película?

 

— Vivo hace muchos años en Buenos Aires. Una vez me tocó hacer un trabajo para una fundación que tienen un proyecto de se llama el Cine Argentino va a la Escuela. Es un proyecto muy hermoso porque pasan películas argentinas en escuelas secundarias de toda la argentina. Van a la escuela, cierran todo como si fueran un cine, pasan la película y llevan a una persona del elenco o un director para charlar sobre la película.

 

A mí me habían contratado para ir a filmar y hacer un registro de la actividad. Así fue que viajé a El Sauzalito, en el límite con Formosa. Desde ahí volví con la idea de hacer una película en el lugar. La trama de la pelícua es justamente unos cineastas que van hacer un relevamiento y quieren proyectar una película.

El terror tiene algo de divertido. Parecido a divertirse, pero a la vez se puede dar otros mensaje. Las buenas películas son esas donde vos estás viendo un monstruo pero ese monstruo termina siendo algo real y vivo que está sucediendo, como el desmonte en el chaco. Entonces, la realidad a veces es tiene más terror que la ficción.

 

— Imagino que deben hacer muchas anécdotas de lo que fue filmar todo en el interior. Pero podes contar alguna que ahora en este momento te acuerdes que sigue en tu memoria.

 

— Hay muchas anécdotas porque para empezar lo filmamos en pandemia. Lo hicimos en el 2021, la mayoría de nosotros teníamos una sola vacuna en ese momento. Otros tantos recién se empezaban a vacunar. Era muy complejo todo. Cuando fui hacer scouting, a grabar las locaciones antes de comenzar a filmar la película tuvimos mucho calor. Nosotros fuimos en invierno, pero nos agarró el varano de San Juan y casi nos morimos de calor. Ahí nos dimos una idea que para octubre, que era el mes donde íbamos a filmar la película sería fatal.

 

La película está todo filmada en exterior. Yo necesitaba que no llueva pero llovió el primer día y el último día de rodaje. Las casas que están en la película las construimos especialmente para este film. El director de arte, el utilero, mucha gente del lugar nos ayudaron a trabajar y construir lo que puede verse en este films.

 

— La película ya recorrió festivales, obtuvo diferentes premios en distintos países y es como si la película no terminara. ¿Es como un hijo que hay que seguir acompañand? ¿cómo vivís estos momentos?

 

Ella suelta una sonrisa y tras ello sonreímos de uno y del otro lado del teléfono.

 

— Con un amigo decimos siempre que hay que dejar de usar esa metáfora.

 

— Si, es verdad, podría buscar otra.

 

— Pero es así, no tengo hijos pero la metáfora es parecida. Hacer una película lleva mucho tu vida, tu tiempo, tu energía. Desde que se me ocurrió hasta el presente son diez años de mi vida. Hay muchos procesos en el medio. Después hay momentos muy emotivos. La proyección de la película es un momento muy lindo y todo el esfuerzo cobra sentido cuando la película está rodando. Al Impenetrable ya recorrió muchos festivales y esos es muy importante. Estoy contenta con lo que le pasa a la película, la misma habla de las comunidades del interior.

 

— Mientas te escuchaba pensaba también que la metáfora del hijo viene - quizás - de que hay un poco de tu sangre, algo tuyo verdadero del cuerpo en lo que hiciste.

 

— Si, también creo que viene - yendo a la metáfora directa - viene en los distintos procesos. Cuando trabajas el guion es cuando estás pensando en que sería lindo tener un hijo, el anhelo de tenerlo. Después cuando empezas a producir es como el parto y el rodaje es el niño pequeño donde necesitas estar cerca, muy cerca. Después la película comienza a caminar sola. Hubo festivales donde la llevamos de la mano y otros festivales donde la venían a buscar a la peli. Así que la metáfora de los hijos es válida porque te dan alegrías, se reciben o te invitan a comer.

 

 

 

Sinopsis de Al Impenetrable

 

Tres jóvenes se internan en una comunidad Qom en el corazón del Impenetrable Chaqueño para grabar un programa de televisión que retrate la miseria y desolación que enfrentan los habitantes, afectados por el desinterés político y social. Sin embargo, al llegar, descubren que los Qom han desaparecido misteriosamente. Perdidos, sin agua ni comida, deberán encontrar la salida del monte antes de que los secretos aterradores del brutal Impenetrable los atrapen a ellos.

 

"Soy devota de que la gente vaya al cine"

 

En la charla con Sonia hablamos del intercambio que tuvo con la comunidad. De la importancia de visibilizar a las comunidades y de mostrar que les pasa a estas comunidades, ahí no hay ficción. Sobre el filo del cierre, la directora de la película puso de relieve la experiencia de ver cine en un sala, "soy devota de que la gente vaya al cine. En principio porque es una experiencia que se acera a lo místico y a lo religioso. Es un espacio grande - compartido - colectivo - donde el discurso es infinito. Depende la película que veas veras diferentes discursos. Al mismo tiempo, es importante destacar que quienes hacemos cine lo hacemos pensando en que se vea grande, con una pantalla y un sonido grande. El diseño sonoro esta muy cuidado. Hay que apagar el celular. Para mí hay algo de la niñez en esa escena, salir de la realidad por un rato y vivir esa experiencia".

 

 

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Fulgor de tambores bajo la luna

Días atrás la noche la noche se hizo de carne y vida con sonidos ancestrales. Sonidos en Diagonal – músicas, silencios y memorias en la ciudad de La Plata, fue la propuesta organizada por el museo musical Doctor Emilio Azzarini. La apertura fue con el cuarteto de cuerdas de la Universidad Nacional de La Plata y para el cierre llegaron los Candombes en diagonal: Memorias sonoras afroargentinas en La Plata.

Por Paulo Ferreyra 

 

Con palillos o con las manos, jóvenes de todas las edades, hacen sonar los tambores. Caminan por la ciudad de las diagonales. Mientras un grupo importante hace vibrar los instrumentos otros caminan acompasando esos golpes y después directamente bailando. El cuerpo ya sumergido en una música que en Corrientes dirían que viene de un tiempo Imaguaré, ejecutada hoy con la sangre pulsando historias.

 

Barricas

 

En el Perú utilizaban el cajón peruano para hacer música afroperuana. En el Río de la Plata se crearon instrumentos de percusión con las barricas en las cuales se transportaban cosas para importación o exportación.

 

La utilización de las barricas como instrumentos de percusión tenía varios puntos a favor, no había que ahuecar la madrea y era fácil de construir. “Cabe recordar que durante mucho tiempo estuvo prohibido que los negros toquen el tambor. Había una ordenanza que decía que aquellos que tocaban el tambor tenían la pena de 200 azotes. Entonces ponerse a tallar un tambor era peligroso. En ese contexto, desarmar una barrica y colocar un parche era más sencillo para armar y desarmar. Así también la disimulaban como herramienta de trabajo”, explica en comunicación vía WhatsApp Facundo Binda, luthier y musicólogo del Museo musical Doctor Emilio Azzarini.

 

Los africanos que trabajaban en el puerto empezaron a utilizar las barricas de importación y exportación para hacer sus tambores. A partir de esta historia el personal del museo hizo un trabajo sobre la comparsa de la Nación Lucamba que fue la comparsa platense de 1892, de los afroargentinos identificados como Nación Lucamba. Ellos usaban un tambor sopipa, que es un tambor gigante, un tambor hecho con un barril de más de 300 litros que le colocaban ruedas e iban desfilando por la calle de la ciudad.

 

El fulgor de tambores bajo la luna se dio el último sábado, en Museos a la Luz de la Luna. El motivo fue hablar de los orígenes de La Plata, “esa parte de la historia de los primeros afroargentinos que construyeron la ciudad y dejaron su identidad musical en ella”, agregó Binda. La vibración de los instrumentos y de los cuerpos brillaron tanto como la luna llena.

 

 

Cuerpo vivo

 

Con las manos o con los palillos, es el cuerpo vivo completo que golpea los tambores. Alrededor los jóvenes se dejan beber por la música y bailan, las sonrisas y la felicidad se contagia, se respirar por momentos en el aire.

 

Todo esto me remonta a las palabras de Mónica Ojeda, escritora ecuatoriana, quien publicó un libro bajo el título de Chamames eléctricos en la fiesta del sol, título precioso. En una entrevista hablando del libro dijo, “bailar. Recuerdo aquello de bailar y pienso en lo político que puede ser un momento así. Toda fiesta es un reclamo de vida. La fiesta es importante. En una fiesta, en un baile, el cuerpo se mueve sin ningún fin, sólo con el objetivo de sentirse vivo. Toda fiesta es un rito: el rito primigenio. Antes de inventar la escritura, insiste Ojeda, ya bailábamos alrededor del fuego. Antes de la palabra misma, se cantaba al ritmo del tambor”.

 

Ya pasaron varios días de que se realizó la tocada de tambores bajo la luna. Todavía viven los recuerdos de una noche mágica. Fotos y videos corren como río de luces. La vida continúa ahora en los estudios y en los trabajos diarios. Unos cuantos caracteres en este momento suben el volumen en una hoja blanca para que los tambores no nos abandonen nunca.

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Josefina Lens: "La fuerza de varias mujeres que se ayudan entre ellas"

 

La Nena, cortometraje escrito y dirigido por Lens, filmado en la Isla del Cerrito se presentó en el 39° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, en el marco de la Vigésima segunda edición de Historias Breves.

 

Texto Paulo Ferreyra

Entrevista Abril López

 

 

En el Paseo Aldrey de Mar del Plata, en la sala 1, estuvo la directora junto a parte del elenco y del equipo de producción para el estreno de La Nena. El cortometraje lo filmaron en el año 2023 en la Isla del Cerrito.

 

Natalia Díaz, una de las productoras ejecutivas comentó que para realizar este cortometraje estimaron un presupuesto entre seis y siete millones de pesos. El proyecto había resultado ganador del concurso Nacional "Historias Breves" (2022), financiado por el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA).  Para poder realizar la filmación recibieron apoyo de otras instituciones de la provincia. “Tuvimos mucho apoyo de la Isla del Cerrito así que pudimos cubrir el presupuesto. Para realizar este cortometraje estuvimos trabajando alrededor de treinta personas en la Isla entre actores, extras, técnicos, cámaras, producción. Estuvimos diez días de preproducción y después entre diez y doce días de rodaje”, explicó Díaz.

 

Historia oculta

 

A Mar del Plata viajaron la directora, la productora y actrices. Entre los puntos importantes y relevantes que sobresalen aquí es la participación de un film que representa a la provincia del Chaco en el Festival Internacional de Cine más importante del país. Por otro lado hay que destacar la historia, el cortometraje está basado en hechos reales. “Estos condimentos hacen que todo tenga un peso emocional muy importante. Además aquí se narra un periodo de historia un poco oculto, que tiene relación con la Isla del Cerrito con el leprosario que funcionaba ahí”, agregó Díaz.

 

El elenco y el equipo técnico está conformado por chaqueños, también hay santafesinos y misioneros. En ese sentido es bastante federal la conformación del equipo de trabajo. El elenco en su mayoría son mujeres y también en su mayoría el equipo técnico está conformado por mujeres.

 

 

 “Me siento orgullosa de estrenar el cortometraje en el Festival de Cine de Mar del Plata”

 

Era la tarde de un viernes y el sol bañaba la costa salada de la ciudad. En la sala 1 del Paseo Aldrey de Mar del Plata la directora junto a parte del elenco y del equipo de producción estrenaban el cortometraje La Nena. El mismo fue filmaron en el año 2023 en la Isla del Cerrito.

 

Mientras aún le latían fuerte las pulsaciones a Josefina Lens, emocionada, alegre, embargada por las personas que no estaban ahí físicamente pero sí estuvieron presentes en el film, ella dejó correr sus impresiones. “Después de la presentación recién comienza a bajar la ansiedad. Me siento orgullosa de estrenar el cortometraje en el Festival de Cine de Mar del Plata. Estoy feliz de poder compartir esto junto al elenco, al equipo técnico, los seres queridos y la familia”.

 

Presentar un corto chaqueño es importante, más aún hacerlo en un Festival que es una bandera nacional en nuestro país pero también ante el mundo entero. Lens agregó, “creo que el sello del Festival de Mar del Plata siempre ha sido hacer circular películas nacionales y latinoamericanas, muchas de ellas producciones independientes con lenguaje creativo novedoso. Estas producciones incentivan a los jóvenes talentos y a los artistas emergentes. Es un lugar donde se puede ver imágenes que hablan de una multiplicidad de voces y de la diversidad del territorio. Aquí podemos encontrar nuestros espacios reflejados en una pantalla grande. Pienso que es un lugar de difusión y debate para pensar el cine”.

 

La Nena, escrito y dirigido por Lens se presentó en el marco de la Vigésima segunda edición del concurso de Historias Breves, que se realiza durante el 39° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Este es un concurso que tiene varios años y tiene por objetivo estimular la producción y dirección de cortometrajes de ficción. Brinda además la posibilidad a los realizadores de plasmar, en la práctica, nuevas tendencias y estéticas cinematográficas. “Su importancia radica en reconocer el trabajo de jóvenes talentos. Esto fomenta el federalismo, que desde la Quiaca hasta Ushuaia puedan hacer sus películas. Ojalá que se siga visibilizando el trabajo de los jóvenes”, agregó.

 

 

El bucle narrativo

 

 

El cortometraje La Lena está inspirada en una historia real. El germen de la historia es la abuela paterna de Josefina Lens. Su abuela era asistente social y se encargaba de trasladar enfermos de lepra o cajones fúnebres a diferentes partes y costas de la Isla del Cerrito. La protagonista de la historia nunca estuvo sola sino que estuvo acompañada de otras mujeres. “A medida que se fue construyendo el guion empecé a imaginar la fuerza femenina y la fuerza de varias mujeres que se ayudan entre ellas. Ese es el bucle narrativo de la historia”, subrayó Lens.

 

Lens advirtió que en el sector audiovisual hoy la realización de films es compleja. Primero, porque hay un impacto económico pero también hay algo simbólico, hay mucha persecución y desinformación sobre la labor que tenemos los cineastas y cuál es la labor del INCAA. Eso va en detrimento del crecimiento del cine. “En lo económico hay recortes. Es imposible casi firmal películas, tanto a nivel nación como provincia. Falta organización e incentivo de las políticas públicas para que haya una base que visibilice el trabajo de los cineastas”, describió Lens al tiempo que advirtió que hoy tienen muchos desafíos, “Hay que empezar a pensar por fuera del INCAA”.

 

Sobre el cierre del diálogo con la directora del cortometraje habló sobre lo que los identifica a los cineastas, la perseverancia, la paciencia y la continuidad en el tiempo. “Nosotros podemos estar mucho tiempo haciendo una película. Entonces esto que estamos viviendo ahora va a pasar. En el medio tenemos que seguir apostando a crear cine”.

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Diego Petruszynski: “Nuestro enfoque fue mostrar a la Universidad Pública involucrada en el Juicio por la Verdad”

 

Este jueves 28 de noviembre se presenta el documental La larga noche de la mañana de Napalpí. La cita es a las 19 en el Centro Cultural Guido Miranda Resistencia. Esta producción audiovisual lo realizó la Universidad Nacional del Nordeste – Unne – a través de su equipo de comunicación institucional. El mismo es coordinado por la licenciada Gabriela Bissaro. En este proyecto trabajaron Cynthia Jara, Natacha Espinoza y Diego Petruszynski.

 

Por Paulo Ferreyra

Fotos – Unne

 

Napalpi, aviaq toxoic

hueta’a ñi chelala qalaxayi mashi saro’onax an

souaxat ran ñi’ imaxare’n yiua ita’al

cha’aye huo’o ram qouaigui /

 

Napalpí, monte triste

donde el zorzal no canta más

por el silencio de mis padres

que por ti no andan más

 

Este poema pertenece a Juan Chico, quien fuera investigador, escritor y referente de las comunidades indígenas en la provincia del Chaco. Su voz, un eco ineludible que atraviesa los tiempos y oportuno para volver hablar de Napalpí.

 

Documental

 

La realización de este documental La larga noche de la mañana de Napalpí surge del Programa de Pueblos Indígenas de la Unne. El mismo ofrece becas y acompañamiento a pueblos originarios. La universidad tiene un núcleo importante de investigadoras e investigadores que trabajan estos temas desde hace varios años. El equipo que realizó este documental es el mismo que realizó uno referente a los 40 años de la guerra de Malvinas, Nuestro nombre es milagro.

 

El documental incluye testimonios de la ex coordinadora del Programa de Pueblos Indígenas (PPI) de la Universidad Nacional del Nordeste, Laura Rosso y Alexandro Fernández, también de dicho programa. Participaron también la investigadora y docente de la Facultad de Humanidades de la UNNE, Teresa Artieda; Gabriela Barrios de la misma Unidad Académica; la investigadora Conicet-UNNE, Mariana Giordano; David García de la Fundación Napalpí y el doctor Diego Vigay, de la Unidad Fiscal de Derechos Humanos de Resistencia.

 

Napalpi

 

El 19 de julio de 1924 hombres, mujeres, niños y ancianos de las comunidades indígenas moqoit y qom fueron asesinados por policías, gendarmes y terratenientes de la zona. Esto ocurrió en la llamada Reducción Aborigen de Napalpí -hoy llamada Colonia Aborigen-. El lugar está ubicado a unos 150 kilómetros de Resistencia. Las reducciones civiles eran sitios creados por el Estado para concentrar a las poblaciones indígenas.

 

Enfoque audiovisual

Hace unos días atrás mientras en las ciudades de Resistencia y Corrientes caí una copiosa lluvia, con Diego Petruszynski hablamos por teléfono. La intención fue conocer más de primera mano cómo fue realizar este documental llamado  La larga noche de la mañana de Napalpí.

 

— Una vez embarcados en esta tarea de realizar el documental, ¿cuál fue el primer punto de partida para definir una línea sobre lo que querían transmitir?

 

— En el equipo audiovisual estoy junto a Cynthia Jara y Natacha Espinoza. En principio teníamos claro que la intención era mostrar cómo la Universidad Pública participó y se involucró en el Juicio Por la Verdad. A partir de ahí nuestra primera entrevista fue con el fiscal del juicio, Diego Vigay. Junto al equipo de trabajo leímos la transcripción de la sentencia del juicio. Con toda esa información armamos un mapa para poder entrevistar a cada investigador e investigadora que aportaron datos a la causa.

— En el Juicio se reconstruyeron los hechos ocurridos en la década del 20, ¿ahí aportaron datos los investigadores?

 

— Así es, en el juicio se reconstruyeron los hechos. Quedó en evidencia cómo, dónde y por qué sucedieron los hechos. Ahí participaron las investigadoras de la Unne para reconstruir esta historia. Entre los varios aspectos importantes, fue establecer por qué se había creado la reducción, cuáles eran sus fines y qué imagen se tenía de los aborígenes en ese contexto de Territorio Nacional.

Testimonios

Durante la charla Diego muestra que tiene una memoria muy grande. Fuerza a su cabeza incluso a recordar nombres y lugares por donde estuvieron a lo largo de varios meses para realizar este documental. Repasa las entrevistas, los sitios, vuelve sobre algunos nombres y los conceptos que dejaron sobre los hechos históricos. Junto al equipo audio visual e investigadoras de la Unne viajaron a Colonia Aborigen, así pudieron acceder a documentación y archivos personales de forma directa que enriquecieron el producto audiovisual.

 

Además de Diego Vigay, un referente externo al campo de la universidad aparece David García, de la fundación Napalpí. Él les brindó además la perspectiva y la cosmogonía indígena.

 

Napalpí significa cementerio en lengua Qom. Este nombre ya existía antes de la masacre. Ese lugar - el paraje - tenía históricamente ese nombre porque hay una leyenda que recuerda que hubo ahí un cataclismo. Hubo un suceso donde los hombres ofendieron a los dioses y el castigo fue una mortandad muy grande. De ahí el nombre de Napalpí. El lugar es un cruce de caminos entre distintas comunidades indígenas. Anualmente se hacía ahí un encuentro de pueblos indígenas y tras un parlamento hacían una celebración. El estado nacional detectó en aquel momento estos lugares sagrados y simbólicos para establecer su sede de poder como forma de someter al pueblo, desde el propio lugar que ellos consideran importante.

“Fue transformador meternos en la historia”

— ¿Qué significó para ustedes conocer en profunidad esta historia?

 

— El Estado Nacional se manejó por aquellos años con una crueldad increíble. Los documentos históricos de la época fueron generados por el propio estado. Los informes y las rendiciones de cuentas se remitían a Buenos Aires y las copias quedaban en el territorio nacional del Chaco. Parte de esa información se perdió en la provincia pero están los originales en el Archivo General de la Nación en Buenos Aires.

Para nosotros hacer este documental fue transformador e impactante. Para mí personalmente fue conmovedor - nos abrimos a un espectro de la historia que no es común escuchar o conocer en la escuela. Por lo menos en la generación que me tocó estar en la educación primaria o secundaria, no se abordó el involucramiento del estado nacional en el genocidio de los pueblos indígenas

— Durante mucho tiempo hubo silencio.

 

— Silencio forzado. Las y los sobrevivientes de la masacre callaron durante casi cien años. Eso está en la causa. Las abuelas no salían de la casa, tenían miedo de la policía, tenían miedo de quienes justamente deben cuidar a la población.

Hay un detalle importante, los antepasados indígenas le decían que no hablen su idioma frente al blanco. No les enseñen hablar y no hablen el idioma. La lengua es lo último que les queda, les violaron los derechos humanos, las propiedades, las tierras, todo lo que era posible pero el idioma es la última intimidad del pueblo.

 

Respirar

 

En el documental llegan distintas voces. Son varios tonos que reconstruyen una historia que este año cumplió cien años. La manera de expresarte configura la cosmovisión y la mirada del mundo, eso las comunidades indígenas lo cuidan como un gran tesoro. Si detenemos el tiempo es conmovedor percibir como desgranan las palabras y nos acercan su historia. El cuidad por la lengua aún se respirara.

 

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